Der Ausbruch des Zweiten Weltkriegs verursacht viele Künstler aus Europa nach Amerika zu bewegen und sich in New York. Viele von ihnen trafen sich durch die WPA ( Works Projektverwaltung ), die Künstler für Wandgemälde in Regierungsgebäuden gefördert. Andere wurden durch die kubistischen Hans Hoffman, der an der Kunststudent -Liga gelehrt und später eröffnete eine eigene Schule eingeführt . Das Werk dieser Künstler zwischen 1940 und 1960 produziert wird, ist nicht alles abstrakt oder expressionistisch, aber es wird dennoch als Abstrakter Expressionismus , eine künstlerische Schule , von denen der Farbfeldmalerei ist ein Zweig bezeichnet. Da Abstrakten Expressionisten traf vor allem auf die Cedar Tavern in Greenwich Village, wird die Bewegung auch als die New York School.
Farbfeldmalerei hebt sich von anderen Facetten des Abstrakten Expressionismus weitgehend in seiner Ablehnung der Gestik , dass die Marken "action" Arten (zum Beispiel Pollocks tropfte und warf Stil der Lackapplikation ) für eine viel ruhigere , einfachere Ansatz . Obwohl , wie die Abstrakten Farbfeld Maler ablehnen gegenständliche Thematik auseinander sie von allen anderen Arten in ihrer Umarmung der reinen Farbe und geometrischen Design. Die typische Farbfeldarbeit ist große Blöcke von Farbe, weich oder harten Kanten , die nach Kunsthistoriker Marilyn Stokstad dazu bestimmt ist, " evozieren transzendenten emotionale Zustände . "
Die ersten Künstler, der als Farbfeld gekennzeichnet werden Maler waren Mark Rothko (1903--1970) , Barnett Newman (1905--1970) und Clifford Still ( 1904 bis -1.980 ) . Der Begriff wurde wegen der Ähnlichkeiten in der emotionalen und formalen Stil ihrer Arbeit, die von großen "Felder" in einer Farbe zusammengesetzt war, aufgetragen.
Eigenschaften des Style
Farbfeldmalerei ist von großen Kompositionen von Farbe, die die gesamte Leinwand bedeckt ist. Wie Action Gemälde , Farbfeldmalereifehlt eine zentrale Fokus und die Oberfläche zu behandeln , statt als ein Sichtfeld. Sie haben keine Objekte in der natürlichen Welt zeigen , sondern sollen Emotionen im Betrachter mit Flach Farbe allein zu evozieren. Der Inhalt der Malerei ist die Spannung, die durch den überlappenden Farbfeldern und der Größe der Leinwand selbst , die den Betrachter in den Farben , die über das periphere Sehen zu verlängern, so dass die Farbe Feld wird zu einem riesigen Ozean umgibt verursacht . Formen auf der Leinwand dargestellt werden , soweit integriert, dass räumliche Unterscheidungen verschwimmen, und die Formen verschieben in das Auge des Betrachters von Bild zu Hintergrund und umgekehrt.
Maler und Beispiele für die Style
Zusätzlich zu den ersten drei Farbfeld Künstler , gibt es mehrere andere, deren Arbeit folgt dem Farbfeldmotiv . Unter diesen sind Jules Olitski ( 1922-- ) , Kenneth Noland ( 1924-- ) , Alma Thomas , Morris Louis, Paul Jenkins , Sam Gilliam und Norman Lewis , aber es gibt viele andere.
Obwohl ihre Arbeit ist ähnlich genug, um unter einem Label klassifiziert werden , nicht alle diese Künstler arbeiteten in der gleichen Art , noch haben sie die gleiche Bedeutung zuschreiben , um ihre Arbeit . Mark Rothkos Werk ist in der Regel mit weichen Kanten , der Darstellung zwei Minuten vor vier Rechtecke von Farbe über einen monochromen Hintergrund überlagert , während Barnett Newman malt präzise monochrome Leinwände , völlig ungestört bis auf eine oder mehrere vertikale Linien oder " Reißverschlüsse ", die die Farbe zu teilen. Andere Künstler wie Helen Frankenthaler und Morris Louis, entwickelt eine spezifische Art der Farbfeldmalerei , die " Stain Painting ", in dem flüssige Farbe wird auf nicht grundierte Leinwand gegossen.
Interpretation und Bedeutung
die Farbfeldmalerbrach die Konventionen ihrer Zeit sowohl in Bezug auf Thema und Technik . Die scheinbar einfache oder sinnlos Leinwände sollen eine elementare noch zerebrale Reaktion beim Betrachter hervorrufen . Das Ziel war nicht, schöne Bilder zu schaffen, aber in den erhabenen tippen . Wie die Künstler, Gottlieb, Rothko und Newman selbst in einem berühmten Brief an die New York Times im Juni 1943 schrieb: " Für uns ist Kunst ein Abenteuer in einer unbekannten Welt der Phantasie, die ungebunden und heftig auf den gesunden Menschenverstand entgegengesetzt ist. Es gibt nicht so etwas wie eine gute Malerei um nichts. Wir behaupten , dass das Thema ist kritisch. "
die Größe der Bilder sind entscheidend für die Interpretation. Die enormen Leinwände gekoppelt mit der beabsichtigten Nähe Sichtbereich umgeben und tauchen den Betrachter mit der krassen , flach Farbe. Farbfeldmalerei fehlen Details und Beschreibung eine sichtbare Thema, und so in einem gewissen Sinne der individuellen Malerei Gegenstand ist die subjektive Erfahrung von Farbe selber. Zur gleichen Zeit , aber die Bilder sind eine objektive Beobachtungen über den Zustand der Menschheit. Mark Rothko , zum Beispiel, verwendet seine Leinwände zu zwei umstrittenen menschlichen Tendenzen, die von Friedrich Nietzsche als dionysischen und apollinischen ( die emotionale , instinktive Selbstgegenüber dem rationalen , disziplinierten Selbst ) beschrieben wurden darzustellen. Die Farben werden auf der Leinwand vereint , und doch , weil der moderne Mensch ist immer " auf tragische Weise geteilt ", die Farbfelder werden immer als gut getrennt .
Barnett Newman adressiert auch den Zustand der modernen Menschheit durch seine Arbeit , und sagte, dass sein Thema war " [d] ie selbst , schrecklich und konstant. " ( Kunstgeschichte , S. 1135 ) . Die dünnen vertikalen Linien ( Reißverschlüsse ) , die seine Leinwände zu teilen sind symbolisch für die endlichen Selbst gegen den scheinbar unendlichen Hintergrundfarbe des Universums gegenüber. Seine Arbeit gesucht , um dem Betrachter das Gefühl, nicht unbedeutend, aber erhaben und frei von Haft. Laut Newman, sind seine Bilder mittels " ... befreien uns von der veralteten Requisiten von einem veralteten und antiquierten Legende ... wir uns von den Hindernissen der Erinnerung, Assoziation , Nostalgie , Legende und Mythos , die die Geräte haben westeuropäischen Malerei " ( metmuseum.org ) .
Historische Bedeutung
Die Originalität und Innovationskraft des Abstrakten Expressionismus im Allgemeinen, einschließlich Color Field Kunst , nachließ fast im selben Moment , dass das Museum of Modern Art eine Ausstellung ihrer Arbeiten . Die Show tourte acht europäischen Hauptstädten und beendete in New York 1958-59 , aber zu diesem Zeitpunkt war die Bewegung nicht mehr neu, und die zweite Generation von Künstlern, die auf dem die erste Welle aufgehört hatten, wurden beschuldigt, " weiterhin versucht, Verfahren Akteure " , deren Arbeit bedeutete nichts . Es folgte eine Rückkehr in die Figur und mehr gegenständliche Kunst , trotz der Kunstkritiker unnachgiebig Behauptung, dass der moderne Künstler konnte nur nach vorne , indem er mehr abstrakt zu bewegen. Kunst auseinander , dann erste Skulptur wie George Segal Arbeit , die geschnitzten Figuren in realen Umgebungen zu leben Menschen in realen Umgebungen platziert und dann . Letztere wurde " Happenings " oder Performance-Kunst genannt .