1. Musik und Choreografie: Die Auralität im Tanz ist eng mit der musikalischen Begleitung verbunden. Choreografen arbeiten oft eng mit Musikern oder Komponisten zusammen, um eine harmonische Beziehung zwischen der Bewegung und der Musik herzustellen. Der Tanz kann mit dem Rhythmus und der Melodie der Musik synchronisiert werden oder die musikalische Struktur herausfordern oder mit ihr in Dialog treten.
2. Musikalität: Tänzer müssen über ein starkes Gespür für Musikalität verfügen, um die Emotionen, Nuancen und Dynamiken der Musik durch ihre Bewegungen effektiv interpretieren und auszudrücken. Sie müssen verstehen, wie die Musik Crescendos, Decrescendos und Tempowechsel durchführt und wie diese musikalischen Veränderungen ihre Choreografie beeinflussen können.
3. Interpretation: Zur Auralität gehört auch die Interpretation der Musik durch die Tänzer. Der Choreograf kann einen Rahmen oder ein Konzept vorgeben, aber jeder Tänzer bringt seine eigene, individuelle Interpretation in die Bewegung ein, beeinflusst von seinem persönlichen Verständnis der Musik.
4. Timing und Rhythmen: Aurality erfordert von den Tänzern ein ausgezeichnetes Timing und einen hervorragenden Rhythmus, um ihre Schritte synchron mit den musikalischen Beats und Rhythmen auszuführen. Dadurch entsteht ein Gefühl von Flüssigkeit, Genauigkeit und Synchronisation in der Tanzdarbietung.
5. Publikumserlebnis: Auralität im Tanz verbessert das Gesamterlebnis des Publikums. Die Kombination aus Bewegung und Musik spricht sowohl die visuellen als auch die auditiven Sinne an und schafft eine multisensorische und immersive Darbietung, die emotionale Reaktionen hervorrufen und die Zuschauer in die Welt des Tanzes entführen kann.
Insgesamt betont Aurality im Tanz das Zusammenspiel von Musik und Bewegung und ermöglicht es Tänzern, sich künstlerisch auszudrücken und auf mehreren Ebenen mit dem Publikum in Kontakt zu treten.